art nouveau d'information?
im faire un projet sur l'art nouveau i besoin de livres de bibliothèque et documents de référence tels que magazines, journaux et revues. J'ai quelques livres, mais im avoir du mal à comprendre les choses à l'intérieur. c'est ce que je dois anwser nom du mouvement: Art nouveau scénario que le mouvement est significatif: Description du mouvement – styles, reconnaissable / caractéristiques identifiables, les couleurs, les techniques, la philosophie, (la réflexion: Quel a été le mouvement influencé par (Pourquoi il entrera en existence): Liste des personnes intégrante du mouvement: si quelqu'un a des bons magazines en ligne avec les objets ou somthing qui aide parce que 70% de mes infos a à venir des livres et des trucs bien espérer quelqu'un peut vous aider!
Ce qui suit sont deux articles de Grove Dictionary of Art de base de données en ligne. Ils répondent à plusieurs des questions que vous avez énumérés ci-dessus. Une page Web tiers sur un calendrier de l'Art Nouveau se trouve ici: http://www.nga.gov/feature/nouveau/exhibit_time.shtm J'espère que cette information est utile. Il a été fournie par un bibliothécaire à Pittsburgh PA. Art 1 Nouveau. Introduction. Art Nouveau a été jugé pour avoir fait ses débuts en 1894 ou 1895. A plus approprié date serait 1884, l'année où le groupe des XX progressive a été fondée en Belgique, et le terme a été utilisé dans le périodique qu'elle soutenait, Art Moderne: «nous sommes des croyants dans l'Art Nouveau. L'origine du nom est généralement attribuée à S. Bing, qui, en Décembre 1895 a ouvert une galerie à Paris qu'il a appelé L'Art Nouveau (voir § 4 ci-dessous). La variété des autres noms sous lesquels le style est connu sont une indication de son caractère multiforme. Ils comprennent: le style de Glasgow (Ecosse); de style moderne, nouille Style, Style coup de fouet (Belgique); Style Jules Verne, Style Métro, Style 1900, art fin de siècle, Art Belle Epoque (France); Jugendstil (l'Allemagne et l'Autriche); Sezessionstil (Autriche); joven Arte (Espagne); Modernisme (Catalogne); Arte nuova, floreale Stile, Stile Liberty (Italie); kunst Nieuwe (Pays-Bas); style Tiffany (USA); modernes (Russie) Stil. Dans chaque pays il y avait une volonté de rupture avec le passé et créer un nouveau style qui pourraient être intégrées dans la conception des objets d'usage quotidien ainsi que l'architecture et la décoration intérieure. Comme ces associés à préraphaélisme et le mouvement Arts and Crafts en Grande-Bretagne, les partisans de l'Art Nouveau a rejeté la tradition académique et toutes les formes d'ornement sur la base classique ou de la Renaissance précédent. Ils croyaient, avec William Morris, dans l'unité de tous les arts et l'artisanat et voulaient abolir la distinction entre les arts majeurs et mineurs. L'influence du Japon est évident dans le tenir compte des contours simples et l'asymétrie (voir japonisme). Le répertoire décoratif de l'Art Nouveau a été principalement tirée de l'observation et l'imitation de la nature, en particulier des fleurs et de plantes exotiques. Ceci est illustré dans les travaux de Victor Horta en Belgique et Emile Gallé et Hector Guimard en France. De Eugène-Emmanuel Viollet-le-Duc en France et John Ruskin et Morris en Grande-Bretagne est venue l'idée de l'alliance de la forme avec le besoin: que tous les arts doivent avoir leurs racines dans l'utilité. La manière plus anguleux de la phase ultérieure de l'Art Nouveau, au bout d'environ 1904, apparente dans le travail de la Belgique, Henry Van de Velde, active en Allemagne, et les gouvernements autrichien, Josef Hoffmann, se réjouit de la modernité. Les formes et les conceptions de l'Art Nouveau ont été diffusés par les nombreux périodiques qui existaient et qui ont été fondées à l'époque; le plus connu d'entre eux étaient Le Yellow Book, The Studio, La Savoie, La Plume, Jugend et Dekorative Kunst. Ces événements internationaux comme l'Exposition Universelle de Paris en 1900 et l'Internazionale d'Arte Esposizione Decorativa Moderna de 1902 à Turin a introduit le style, dans ses formes diverses, à la connaissance du public ainsi que des architectes, artistes et designers. Art 2 Nouveau. Grande-Bretagne. Parmi les premiers exemples de l'asymétrie qui coule associée à l'Art Nouveau sont les illustrations de livres de ah Mackmurdo, Aubrey Beardsley et Walter Crane, dans la page de titre particulier Mackmurdo pour son Eglises Wren's City (1883). Mackmurdo, ainsi que avec cr Ashbee, CFA Voysey et mh scott Baillie, qui ont tous pratiqué en tant que concepteurs et des architectes, le lien entre le mouvement Arts and Crafts et Art nouveau en Grande-Bretagne; Voysey, cependant, plus tard méprisé la version continentale du style qu'il a si fortement influencée. En Ecosse, le style de Glasgow est une manifestation de l'Art Nouveau. Charles Rennie Mackintosh (voir Couverts, fig. 2), Herbert Macnair et les sœurs Margaret Macdonald et Frances Macdonald (voir Macdonald) ont été tous les élèves de la Glasgow School of Art, dont le directeur, Francis Newbery (1855-1946), a été beaucoup influencé dans ses idées par le mouvement Arts and Crafts. Ils sont venus ensemble en tant que quatre. Leur sang-froid, des dessins atténuée pour les intérieurs, meubles, reliures et la couture étaient beaucoup admiré sur le continent et particulièrement à Vienne (voir § 6 ci-dessous), où ils ont été une influence importante sur le développement d'une version géométrique de l'Art Nouveau. Mackintosh était un exposant à l'exposition internationale de 1902 à Turin, et son travail a été illustré dans le magazine allemand Dekorative Kunst. Art Nouveau 3. Belgique. En 1881, l'avocat Octave Maus co-fondé le magazine Art moderne, le but principal était de présenter l'art dans tous les aspects de la vie quotidienne. Les éditeurs se sont appelés «les fidèles de style Art Nouveau. En 1884, la première exposition a eu lieu à Bruxelles des XX (voir, les), un groupe de 20 artistes qui cherchent à montrer leur travail en dehors du Salon officiel. Ils ont choisi Maus tant que secrétaire général, en 1893, il a organisé la dissolution des XX et de la fondation à sa place de la Libre Esthétique. Les personnes invitées à exposer dans la première année incluse Toulouse-Lautrec et Seurat, et du singulier importance pour le développement de l'Art Nouveau a été le fait que Morris et Beardsley illustrations de livres et d'objets conçus par Ashbee ont eu une importance égale à la peinture. Avec Claude Debussy jouer sa musique à l'ouverture, l'exposition a été considérée comme une tentative d'établir une relation entre tous les arts. L'architecte Victor Horta est considéré comme le «père» de l'Art Nouveau belge. Un disciple de Morris, il prend en charge la décoration intérieure ainsi que le mobilier de ses bâtiments. Il fait des dessins pour le bois, le verre, les textiles et, plus particulièrement, ferronnerie, dans laquelle les idées avancées par Viollet-le-Duc sont perceptibles. L'inspiration pour son style était lui-même la nature (la seule source d'imitation il considéré comme acceptable), sur lequel il base de l'entrelacement coup de fouet (whiplash) qui caractérise son travail. Tout au long des années 1890, Horta travaille vers le double objectif de créer un nouveau type d'expression formelle et de trouver une logique et une solution claire aux problèmes de la construction. Il a obtenu la première fois dans l'curviligne, style non-représentation de la Maison Tassel (1893;. Voir Horta, Victor, fig 1), il prend une nouvelle étape dans l'Hôtel Solvay (1894), tant à Bruxelles. La seconde, il atteint dans la Maison du Peuple (1895-9;. DESTR 1964), Bruxelles, qui a incorporé le premier fer façade en verre et en Belgique. Dans ce bâtiment Horta mettre en pratique Viollet-le-Duc théorie selon laquelle l'avenir de l'architecture réside dans l'utilisation honnête de fer. Paul Hankar, un autre des créateurs de l'Art Nouveau belge, a été influencé par l'art japonais et le mouvement Arts and Crafts. Ses premiers travaux d'une manière traditionnelle néo-Renaissance, le plus important de style Art Nouveau caractéristique de son travail plus tard, était son traitement des façades comme des ensembles décoratifs, comme dans la façade (1897) de Niguet Chemise Shop à Bruxelles. L'autre figure de premier plan dans Art Nouveau belge Henry Van de Velde, qui est devenu un membre des XX en 1888. Il abandonne la peinture pour la conception en 1892 et, très influencé par Ruskin et Morris, a été l'un des plus importants forces en Europe pour la réforme de la conception de la fin du 19e siècle. En 1895, sans expérience en tant que architecte Van Velde de construire sa propre maison, Bloemenwerf (terminé 1896), près de Bruxelles, et a été lui-même responsable pour les moindres détails, y compris tous les meubles. La maison représente un manifeste contre le «mensonges» constitué par l'utilisation de des formes empruntées à des styles historiques. Van de Velde avait un sentiment particulier pour l'harmonie, sans symétrie, et la caractéristique principale de son travail est l'utilisation d'une ligne dynamique qui assure l'homogénéité de ses formes. Consciente de la disparité entre ses convictions sociales et politiques et son amour de l'artisanat (au moyen de laquelle seules pièces uniques et coûteux pourrait être produite), il a mis une société à Bruxelles en 1898 dans une tentative de coordonner la production et la distribution de son œuvre. Il est remarquable par la multiplicité de ses talents, étant autant de succès en tant que designer de meubles (Voir la Belgique, fig. 33), comme des lampes, des papiers, de textiles, de mode, de l'argenterie, la porcelaine et de bijoux. Il s'est installé en Allemagne en 1899, et son style s'est plus sobre et moins d'ornement après aux environs de 1902. Art Nouveau 4. France. Art Nouveau français a prospéré de façon exhaustive dans le domaine des arts appliqués plutôt que dans l'architecture. Fournir l'encouragement au développement du style a été la tradition bien établie de l'artisanat en France et à l'appui que le bien-to-do a donné à elle. Un autre facteur qui a contribué à son développement a été l'existence de l'Union Centrale des Beaux Arts Appliqués à l'Industrie (plus tard, l'Union Centrale des Arts Décoratifs), fondée en 1864, qui dès le départ, professait le but de «soutenir en France la culture de ces arts qui poursuivent la création de la beauté de l'utilité. Les deux centres où le français Art Nouveau a été créée et dont le style a été diffusée ont été Nancy et à Paris et ils ont été témoins du développement de deux tendances assez différentes: tandis que le premier se pencha vers le floral, celui-ci en faveur des aspects plus symboliques de l'Art Nouveau. L' Union Centrale exposition de 1884 a marqué la naissance du style floral et s'est avéré être une vitrine pour la céramique et la verrerie d'Emile Gallé. Il n'a pas perdu de temps après avoir remporté deux médailles d'or, un pour la céramique et un pour le verre, à l'exposition dans la promotion de son travail et celui de ses collègues. Un verrier, potier et ébéniste, Gallé combinée avec un esprit poétique déterminée entreprise industrielle. Dans le même temps, comme il développé des techniques pour créer ses pièces uniques et coûteux, il a créé une entreprise pour la production commerciale de son verre (voir fig.) en utilisant une activité à financer les autres. Un intérêt pour la nature est au cœur du style associé à Nancy, mais il y avait deux autres facteurs qui ont joué un rôle d'une importance indéniable: un goût prononcé pour le style rococo (Nancy a été substantiellement construite sous le règne de Louis XV) et pour l'art japonais. Ce dernier a été présenté à Nancy de la manière la plus directe, quand, en 1885, le chercheur japonais Takasima est venu à étudier la botanique à l'école de foresterie. Takasima était à la fois un scientifique et un artiste, et lui et Gallé sont devenus des amis. En 1901, l'Alliance Provinciale des Industries d'Art (plus tard appelé l'Ecole de Nancy) a été créée, sous la direction de Gallé. D'autres personnages importants inclus le designer Victor Prouvé (voir Prouvé, (1)) qui a remplacé à la tête de Gallé l'Ecole de Nancy sur la mort de ce dernier; les verriers Daum Auguste et Antonin Daum (voir Daum), l'ébéniste Louis Majorelle, qui, en décrivant la source de son inspiration, a fait remarquer «mon jardin est ma bibliothèque», et le concepteur de mobilier et de l'architecte Eugène Vallin. Après la Villa Majorelle a été construit en 1901 par Henri Sauvage le groupe de Nancy botaniste-décorateurs concentrés sur l'architecture. André Emile, Lucien Weissenberger (1860-1929) et Vallin a créé le premier Art Nouveau ensembles en France, et ils n'ont jamais oublié les paroles de Gallé, qui avait dit à ses collègues en 1901 que «les peintres et les artistes d'ornement, nous sommes l'un et tous les prêtres au service la même religion, les fidèles d'une beauté naturelle propagation à travers le monde ». Depuis le début de l'architecture du 19ème siècle à Paris a été dominée par le néo-classicisme. Hector Guimard, qui a étudié à l'Ecole des Beaux-Arts, au lieu d'entreprendre le pèlerinage traditionnel à la Grèce et de Rome, est allé en Angleterre pour étudier l'architecture en 1895 et s'est rendu à Bruxelles, où il a rencontré Horta. A son retour, il re-travaillé un projet commencé en 1894, qu'il termine en 1897-le Castel Béranger, un immeuble à Paris. Voici Guimard a rompu avec le caractère de les bâtiments environnants pour donner une place de choix à la sculpture et à la couleur, à la fois à l'extérieur et à l'intérieur. Il a conçu tous les détails-les vitraux, des panneaux de céramique, de portes, serrures, papier peint et les meubles. La profusion de détails et de la torsion et de rotation de lignes est plus prononcée que dans le travail de Horta ou Van de Velde. Toutes les contradictions que Guimard essayé à résoudre au cours de sa carrière d'architecte ont été exprimées dans le Castel Béranger: l'opposition de la structure et l'ornement, de la conception abstraite et figurative, et la tension entre le rationalisme et ses relations avec le naturalisme. Bien que la nature a été le seul modèle qui pourrait être évoqué pour trouver une certaine unité dans les conceptions Guimard, son n'était pas la nature de Gallé et de l'Ecole de Nancy, mais plutôt celle de Horta, qui a écrit «je jeter la fleur et la feuille, mais je garde la tige. Bien qu'il n'ait pas gagné le concours en 1896 pour concevoir le Métro stations à Paris, Guimard a néanmoins été remis à la Commission. Les entrées sont remarquables pour l'intégration d'éléments décoratifs dans la structure (voir l'illustration pour la station de métro). Leur apparition a été mi-chemin entre celle d'un pavillon et une pagode de verre et de fer. Ils devaient faire Guimard un nom familier et a donné naissance au terme Métro Style. D'autres architectes, parmi eux Frantz Jourdain (voir Jourdain, (1)), qui a créé la Samaritaine (1905-1910) à Paris, et Jules Lavirotte, des bâtiments conçus qui appartiennent à l'Art Nouveau, avec un penchant vers le rococo ou un style floral, mais seulement Guimard a laissé un ensemble cohérent de travaux s'élevant à une véritable expression de la conviction d'architecture. À la fin de 1895, art Bing a ouvert sa nouvelle galerie à Paris, L'Art Nouveau, dont Van de Velde a conçu trois chambres et Louis Comfort Tiffany exécuté les vitraux. Il est devenu un point de ralliement pour les créateurs et les fidèles de l'Art Nouveau. Bing, l'un des principaux promoteurs du style, a réuni un certain nombre d'artistes et de designers, parmi lesquels Georges de Feure, Edouard Colonna et Eugène Gaillard. Les trois chambres conçues pour le pavillon Bing (destr.) à l'Exposition Universelle de Paris en 1900: meubles de Feure pour le modèle de salon d'une maison moderne inclus un canapé en bois doré, ses lignes ondulées abstraction de formes végétales. Leur travail a été accueillie avec enthousiasme par les arts décoratifs des Revue: «Le contraste de leur modernisme excite l' oeil et séduit l'intelligence … rien dans les écrans étrangers ou français de l'art décoratif, rien n'est supérieur à cette exposition de l'Art Nouveau. Un article comme celui-ci et l'énorme succès de l'exposition conduit Parisiens de croire que l'Art nouveau est un style typiquement français, ce n'était pas un style cohérent, cependant, mais plutôt une juxtaposition d'éléments individuels. Après 1900, le style Art Nouveau en France a été exprimé principalement dans la décoration intérieure, notamment dans le magasin (de 1900 à 1901;. DESTR) à Paris, conçu par Alphonse Mucha pour le bijoutier Georges Fouquet. Art Nouveau restaurants, tels que Maxim's (rénové 1899; architecte Louis Marnez, peintre Léon Sounier), et les boutiques se multiplient jusqu'à environ 1910. Edouard Niermans introduit Art Nouveau à l'architecture des brasseries, restaurants et casinos (1894-1914) et aussi des théâtres, notamment à Paris et sur la Côte d'Azur. Originalité de l'art français Nouveau débouché sur des objets de vitrine, telles que celles conçues par Félix Bracquemond (voir Bracquemond, (1)), et les bijoux sublimes et des accessoires conçus par René Lalique (par exemple une boucle en forme d'une eau-nymphe; voir aussi Lalique, René) et d'autres (par exemple la ceinture boucle par Boucheron, 1900, voir fig.). Article 5 nouveau. Allemagne. Art Nouveau en Allemagne a vu le jour en réaction à l'éclectisme historique incarné par les châteaux construits par Louis II, roi de Bavière. Dans les années 1890 il a été l'activité dans divers milieux. Van de Velde reçu une série de commissions, dont une pour le magasin Havane Cigar à Berlin, en 1899, où il s'installa. Toujours à Berlin, Alfred Messel a commencé à travailler sur le bâtiment du département de Wertheim magasins à Berlin, en prenant ses idées pour le second d'entre eux, dans le Leipzigstrasse (1896-7; DESTR 1944;.. voir l'Allemagne, fig 11), des bâtiments construits en fer et en verre en France et à Chicago. Dans le même temps un événement mineur dans les cercles diplomatiques eu lieu qui a été d'avoir des répercussions importantes: Hermann Muthesius fut envoyé à Londres en tant qu'attaché technique à l'ambassade d'Allemagne avec la mémoire spécifiques de collecte d'informations sur l'architecture et les arts décoratifs en Grande-Bretagne. De nouvelles revues ont joué un rôle plus important en Allemagne qu'ailleurs, et elles semblaient en nombre considérable: à Berlin en 1895, le porte-parole de Julius Meier-Graefe fondée Pan, un magazine consacré aux beaux-arts et appliquées en Europe. En Janvier 1896 Jugend: Wochenschrift Illustrierte für Kunst und Leben a été lancé, ce qui a été de donner son nom au mouvement Art Nouveau en Allemagne, Jugendstil. Cela a été un pacifiste, un magazine anti-clérical prônant un nouvel art et esthétique la liberté, une source d'inspiration renaissance nationale de dessin à partir des courants internationaux de l'art. Presque en parallèle avec Jugend, l'Simplizissimus célèbre magazine satirique a été fondée, en donnant un espace aux artistes du mouvement Art Nouveau. Elle a été suivie en 1897 par Deutsche Kunst und Dekoration et Dekorative Kunst, et en 1899 par Die Insel, le soutien de la modernité chez les intellectuels et les médias fleuri avec une étonnante vigueur. Bien que l'Allemagne retard sur le reste de l'Europe dans la mesure où la peinture était préoccupé, il ya eu des rebondissements dans les arts graphiques et appliqués, se produisent presque simultanément dans toutes les grandes villes, mais en particulier à Munich, Berlin, Weimar et à Darmstadt. La plupart des chiffres importants associés à Jugendstil suivi Morris et Van de Velde en abandonnant la peinture pour se consacrer à l'art décoratif. Otto Eckmann a été, avec Peter Behrens, août Endell, Hermann Obrist, Bruno Paul et Richard Riemerschmid, l'un des fondateurs du Jugendstil en Munich. Il cesse de peindre en 1894 et a commencé à étudier la nature; certaines de ses compositions florales d'imagination ont été publiés dans la poêle et Jugend. Il s'est intéressé à type d'imprimante et a fait ses nom par le développement de la police de caractères connue sous le nom de type Eckmann. Les périodiques nouvellement créé promu le mouvement dans l'art graphique, Jugend, par exemple, employant 75 illustrateurs au cours de sa première année de publication. Dans le premier numéro de la Deutsche Kunst und Dekoration, son fondateur, Alexander Koch, a appelé à l'intégration de tous les arts et un retour à l'artisanat. Jugendstil manifeste lui-même dans les dessins qui ne semblaient pas seulement dans les magazines, mais dans les programmes et affiches, en train de révolutionner l'art graphique du pays à cet effet qu'il acquit bientôt une réputation internationale. Dans artisans de verre, bijoux et céramiques allemande n'ont généralement pas la comparaison avec les Français, bien qu'il y ait eu quelques exceptions, parmi lesquels le verrier Karl Kaepping (1848-1914) Max et les potiers Laeuger (1864-1952) et Julius Scharvogel (1854-1938). Ils excellaient dans la fabrication de meubles, cependant: Riemerschmid, Endell et Obrist faisaient tous partie de la tendance qui s'est efforcé de l'unité d'ensemble dans la décoration intérieure, l'un des principaux objectifs de l'Art nouveau international. Tous trois ont séries intéressantes de meubles, comme Van de Velde finalement abandonner un style floral pour des formes plus simples. Chacun de ces groupe a pratiqué en tant qu'architectes, Riemerschmid construction d'une maison pour lui-même en 1896, mais seulement Endell conçu des bâtiments de tout noter: le plus remarquable Elvira a été le studio de photographie (1896-7; DESTR.) à Munich, qui avait un motif asymétrique splendide sur la façade et des décorations fantastiques dans la cage d'escalier. Le groupe de Munich a éclaté autour de 1899-1900, et ses membres dispersés à Berlin, Weimar et à Darmstadt. Une caractéristique du Jugendstil, celui qui a permis au mouvement d'étendre des arts graphiques dans d'autres médias, a été le patronage il a reçu de la famille régnante et de grands industriels. A Weimar, Graf Harry Kessler a été derrière la décision de Van de Velde se déplacer en 1902 de Berlin. A Darmstadt, Ernest Ludwig, grand-duc de Hesse-Darmstadt, commandé Baillie Scott et Ashbee pour décorer plusieurs salles du Palais Neue dans le style Art Nouveau, qui a causé quelque chose de remous. Encouragé par Koch, il a promu l'idée d'établir une colonie d'artistes et a offert à la fois terre à Mathildenhöhe et de l'argent à cette fin. Plusieurs artistes rejoint l'Künstler-Kolonie, y compris l'Autrichien Joseph Maria Olbrich (voir § 6 ci-dessous), qui a conçu le Hochzeitsturm (1905) à Mathildenhöhe, Hans Christiansen (1866-1945), connu pour ses dessins pour les textiles et les tapis, l'architecte et designer Patriz Huber (1878-1902) et Behrens. À l'Internazionale d'Arte Esposizione Decorativa Moderna de 1900 à Turin, la contribution de l'Allemagne s'est démarqué grâce à Behrens Hambourg vestibule. En 1903 Muthesius retour de Londres et a actuellement des idées britanniques à l'attention des designers allemands par le biais de publications telles que Das Englische Haus (1904-5). En 1907, Behrens devient conseiller artistique de AEG à Berlin: le fondateur de la compagnie d'électricité, Emil Rathenau, appuyé artistes d'avant-garde. Behrens, à ce moment, s'oriente vers une plus rationaliste, abstrait et le style géométrique. Art Nouveau 6. L'Autriche. Art Nouveau fait son apparition dans Autriche (voir Vienne, § III, 4) plus tard et plus brutalement que partout ailleurs en Europe sous la forme de la Sezessionstil. Il a été dominé par deux chiffres: Gustav Klimt, dans ses peintures décoratives, et Otto Wagner, dans son architecture. Le 25 mai 1897 Klimt et 18 autres artistes quitté la Künstlerhaus de Vienne pour fonder la Vereinigung Bildender Künstler Österreichs, les Viennois Sécession (voir la sécession, § 3); Klimt a été son premier président. De la première de cette nouvelle association, qui a donné son nom à la Sezessionstil, a pris note des courants artistiques à l'étranger et a été réceptifs aux idées nouvelles dans toutes les branches de l'art. Une salle d'exposition a été construit sous la direction de Maria Olbrich et Joseph était prêt pour l'exposition sécession seconde en 1898. Dessus de l'entrée a été l'inscription «A chaque âge son art, à l'art sa liberté». Une des premières déclarations publiés par le groupe d'artistes a énoncé des principes très proches de celles de Viollet-le-Duc et Morris: «Nous ne reconnaissons aucune différence entre le grand art et mineur, entre l'art des riches et celle des pauvres. Art appartient à tous. " Le magazine Ver Sacrum a été fondée par la Sécession en Janvier 1898, avec l'un des artistes chargés de concevoir la couverture de chaque numéro. Ils ont également réalisé les illustrations à l'intérieur, qui sont d'une qualité exceptionnelle. Bien que la publication de Ver Sacrum cessé en 1903, son impact sur la propagation de l'Art nouveau en Autriche a été considérable, ici comme en Allemagne, le style a commencé comme une révolution dans les arts graphiques et dans la décoration de surface. Les mêmes principes d'organisation spatiale dans une page de Ver Sacrum sont présents dans la conception de la Majolikahaus (1898) à Vienne par Otto Wagner, par exemple. Wagner rejoint la Sécession en 1898. Il a développé une approche très personnelle dans son architecture, combinant des éléments traditionnels aux pratiques révolutionnaires et l'utilisation de matériaux afin de répondre contemporaine exigences. Il avait cru depuis 1890 que le style de l'avenir »serait le Nuzstil, ou le style d'utilité, et en 1896 a fait ressortir la revue Moderne Architektur, dans lequel il a écrit que «rien de ce qui n'est pas pratique ne peut jamais être belle». Dans ses maisons appartement à Vienne au 38-40 Linke Wienziele (1898-9) il a montré ce qu'est un moderne maison devrait ressembler. Il s'exprimait le mieux, comme l'a fait Guimard, dans un projet qui a été principalement fonctionnel-le Stadtbahn de Vienne, une commission publique majeur qui a occupé de lui et un grand équipe depuis plusieurs années. Ici il a obtenu ce qu'il aimerait avoir vu partout, comme il l'écrit dans le magazine Der Architect », pas une station, pas une boutique, pas un viaduc, pas un pont devrait être construit sans avoir été conçu dans le studio »d'une façon artistique et moderne. Wagner a fait sa marque sur le centre de Vienne avec ce projet, en particulier avec le Karlplatz station (1894;. voir Wagner, Otto, fig 1), mais ses bâtiments les plus importants ont été l'église de St-Léonard à l'asile Am Steinhof Lunatic (1904-7) et le bâtiment Postsparkasse (1904-6, 1910-12, voir Wagner, Otto, fig 2.) À Vienne, dont il a également conçu le mobilier. Olbrich, un des membres fondateurs de la Sécession, a été l'assistant de Wagner 1893 à 1898, année où il achève la construction Sécession, et a été impliqué dans illustrant Ver Sacrum. Il quitta Vienne en 1899 à Darmstadt, où il a exécuté plusieurs bâtiments pour 'les artistes colonie (voir § 5 ci-dessus). En dépit de ses liens avec la Sécession viennoise, il est resté en Allemagne et a participé à la fondation de la Deutscher Werkbund à Düsseldorf. Dans 1892 Josef Hoffmann est entré à l'Académie der Bildenden Künste à Vienne, où Wagner a été son professeur. En 1898, il a travaillé sur le projet Stadtbahn et rejoint la Sécession. Il a enseigné l'architecture et la décoration intérieure à la Kunstgewerbeschule, et en 1900 il a conçu l'affichage sécession à l'Exposition Universelle de 1900 à Paris. Il a découvert le travail de Mackintosh (voir § 2 ci-dessus) lors d'une visite en Ecosse, et Mackintosh devait être une influence importante sur la Wiener Werkstätte, fondée par Hoffmann et Kolo Moser en 1903. Moser a été un créateur prolifique de meubles, de textiles (Voir l'Autriche, fig. 42), affiches, timbres et des bijoux, entre autres. Il fut l'un des plus productives des collaborateurs sur Ver Sacrum et conçu les fenêtres et de l'autel de Wagner église de Steinhof. Le caractère de son travail a été stimulée par des voyages en Allemagne, Belgique, France et Grande-Bretagne. Il a été l'organisateur de plus de 20 expositions et contribué à des changements à l'intérieur décoration grâce à sa participation à la Werkstätte. L'objectif principal de la Wiener Werkstätte a été de réintroduire l'art dans les objets d'usage quotidien, la revitalisation des travailleurs amour de leur métier et leur donner un rôle dans la conception et la distribution des objets qu'ils ont fait, tous ce qui est proche des théories de Morris. En plus de fabriquer des objets utilitaires, vêtements, cartes postales et les meubles, le Werkstätte exécutés bâtiments tels que le sanatorium de Purkersdorf (1903-5; remodelé, voir Hoffmann, Josef, fig 1.) et le Palais Stoclet (voir Hoffmann, Josef, fig. 2 et la Belgique, fig. 29) à Bruxelles entre 1905 et 1911 sur les dessins de Hoffmann. Ce dernier, conçu comme un ensemble esthétique, a été l'expression la plus parfaite des inclinations vrai que le groupe, en partie dû au fait que le financier Baron Adolphe Stoclet, qui a commandé le bâtiment, a donné carte blanche au designer. Le dernier titre éléments décoratifs et curviligne Art Nouveau autrichien disparu avec Adolf Loos, qui a passé trois ans aux Etats-Unis avant de s'installer à Vienne en 1896. Il est revenu fortement influencé par l'Amérique l'architecture, la culture et style de vie en général. Sa carrière a été une succession d'affrontements, l'un des premiers étant un article publié en 1898 à Ver Sacrum intitulé «Die Potemkinsche-stadt, qui comprenait une violente polémique contre l'historicisme. Il a été l'architecte de diverses maisons et appartements à Vienne, pour certains d'entre eux, il a conçu le mobilier ainsi. Un de ses plus importants projets au début du 20e siècle a été l'Goldman & Salatsch construction (Looshaus, 1910; voir Loos, Adolf, fig 1.), de Vienne; en 1910, le nu lignes de son Steiner Haus à Vienne préfigure l'architecture des années 1930. Art 7 Nouveau. Autres. Art Nouveau laissé sa marque sur l'ensemble du monde occidental et sur certaines colonies européennes, mais ses effets ont été moins cohérente et beaucoup moins profond en dehors des cinq pays mentionnés ci-dessus. La présence d'éléments nationalistes, en particulier en Europe orientale, a donné lieu à des développements hybrides. Seule une quelques artistes isolés et atypiques prouvé exceptions à cette règle, mais leur travail ne réside pas entièrement dans le cadre historique et stylistique de l'Art Nouveau. En Italie, où la version de l'Art Nouveau a été connu sous le nom Arte nuova, floreale Stile ou Stile Liberty (Liberty & Co. après, le magasin à Londres), Giuseppe Sommaruga, concepteur du Palazzo Castiglioni (1900-1903), Milan, a été le représentant le plus important dans l'architecture; d'autres designers et architectes qui devrait citer Carlo Bugatti, Gino Coppede (1866-1927), connu pour son utilisation de détail extravagant, et Raimondo D'Aronco, qui a travaillé en Turquie pendant un certain temps et a été plus influencé par l'orientalisme. Architecture aux Pays-Bas et en Scandinavie a été peu touchée par Art Nouveau, bien que dans la décoration intérieure et le mobilier y avait une tendance au sein de Nieuwe Kunst néerlandais qui ont trait à curviligne Art Nouveau en Europe, illustrée par les travaux de Gerrit Willem Dïjsselhof. Berlage hp laissé quelques travaux intéressants appartenant à l'alternative, la tendance plus austère. En Russie, les ateliers dans le centre artistique de Talashkino méritent une mention, et les pays de l'empire austro-hongrois sont parsemés de bâtiments par les étudiants de Wagner. En Espagne, il a émergé le phénomène isolé du Modernisme catalan, étroitement associé à la ville de Barcelone. Les dernières années du 19e siècle ont été dominées par la figure il ya de Antoni Gaudí. Sa contribution à l'Art Nouveau a été très personnelle et originale. Le Palau Güell (1885-9; voir la mosaïque, la couleur pl IV, fig 2..), La Casa Batlló (1904-6) et la cathédrale de la Sagrada Familia (pris en charge par Gaudí en 1883 et incomplète à sa mort) illustrent son style fantastique incorporant incrusté des formes organiques, qui venait de nulle part et ont été copiés par personne. Aux Etats-Unis, Louis Comfort Tiffany (voir Tiffany, § 2) a été le principal concepteur et décorateur d'intérieur dans le style Art Nouveau, il ya souvent connu que le style Tiffany. Beaucoup de ses dessins pour lampes électriques, en bronze, sa propre «Favrile ' de verre ou de mosaïques de verre opalescent sont basées sur des formes naturelles. Il était un dessinateur influents de meubles, textiles, papier peint, d'argent et de bijoux ainsi que le verre. Dans l'architecture de la contribution de Louis Sullivan bien au-delà l'ornement tourbillonnant de l'entrée de son Carson, Pirie, Scott & Co. magasin (1903-4) à Chicago, mais les éléments décoratifs dans son travaux qui se rapportent à l'Art Nouveau sont un phénomène isolé. Art 7 Nouveau. Autres. Art Nouveau laissé sa marque sur l'ensemble du monde occidental et sur certaines colonies européennes, mais ses effets ont été moins cohérente et beaucoup moins profond en dehors des cinq pays mentionnés ci-dessus. La présence d'éléments nationalistes, en particulier en Europe orientale, a donné lieu à des développements hybrides. Seuls quelques artistes isolés et atypiques prouvé exceptions à cette règle, mais leur travail ne réside pas entièrement dans le cadre historique et stylistique de l'Art Nouveau. En Italie, où la version de l'Art Nouveau a été connu sous le nom Arte nuova, floreale Stile ou Stile Liberty (Liberty & Co. après, le magasin à Londres), Giuseppe Sommaruga, concepteur du Palazzo Castiglioni (1900-1903), Milan, a été le représentant le plus important dans l'architecture; d'autres designers et architectes qui devrait citer Carlo Bugatti, Gino Coppede (1866-1927), connu pour son utilisation de détail extravagant, et Raimondo D'Aronco, qui a travaillé en Turquie pendant un certain temps et a été plus influencé par l'orientalisme. Architecture aux Pays-Bas et en Scandinavie a été peu touchée par Art Nouveau, bien que dans la décoration intérieure et le mobilier y avait une tendance au sein de Nieuwe Kunst néerlandais qui ont trait à curviligne Art Nouveau en Europe, illustrée par les travaux de Gerrit Willem Dïjsselhof. Berlage hp laissé quelques travaux intéressants appartenant à l'alternative, la tendance plus austère. En Russie, les ateliers dans le centre artistique de Talashkino méritent une mention, et les pays de l'empire austro-hongrois sont parsemés de bâtiments par les étudiants de Wagner. En Espagne, il a émergé le phénomène isolé du Modernisme catalan, étroitement associé à la ville de Barcelone. Les dernières années du 19e siècle ont été dominées par la figure il ya de Antoni Gaudí. Sa contribution à l'Art Nouveau a été très personnelle et originale. Le Palau Güell (1885-9; voir la mosaïque, la couleur pl IV, fig 2..), La Casa Batlló (1904-6) et la cathédrale de la Sagrada Familia (pris en charge par Gaudí en 1883 et incomplète à sa mort) illustrent son style fantastique incorporant incrusté des formes organiques, qui venait de nulle part et ont été copiés par personne. Aux Etats-Unis, Louis Comfort Tiffany (voir Tiffany, § 2) a été le principal concepteur et décorateur d'intérieur dans le style Art Nouveau, il ya souvent connu que le style Tiffany. Beaucoup de ses dessins pour lampes électriques, en bronze, sa propre «Favrile ' de verre ou de mosaïques de verre opalescent sont basées sur des formes naturelles. Il était un dessinateur influents de meubles, textiles, papier peint, d'argent et de bijoux ainsi que le verre. Dans l'architecture de la contribution de Louis Sullivan bien au-delà l'ornement tourbillonnant de l'entrée de son Carson, Pirie, Scott & Co. magasin (1903-4) à Chicago, mais les éléments décoratifs dans son travaux qui se rapportent à l'Art Nouveau sont un phénomène isolé. Art Nouveau Bibliographie F. Schmalenbach: Jugendstil: Theorie und zu Ein Beitrag der Geschichte Flächenkunst (Würzburg, 1935) J. Grady: «Une bibliographie de l'Art Nouveau», J. Soc. Archit. . Hist, XIV / 2 (1955), p. 18-27 Madsen S. Tschudi: sources de l'art Nouveau (Oslo et New York, 1956, rév New York, 1976.) H. Seling: Weg ins Der 20: Jugendstil. Jahrhundert (Heidelberg, 1959) Les Sources du XXe siècle (pièce n ° cat., intro. J. Cassou, Paris, Mus. NA Mod, 1960) J. Cassou, E. et N. Pevsner Languy: Les Sources du XXe siècle (Paris, 1961; Eng trans, Londres, 1962) CE Schorske.:.. Fin-de-siècle de Vienne: Politique et culture (New York, 1961 / R Londres, 1980) R. Schmutzler: l'Art Nouveau: Jugendstil (Stuttgart, 1962) Henry Van de Velde, 1863-1957 (Pièce n ° cat. Par R.-L. Delevoy, Bruxelles, Pal. B.-A., 1963) R.-H. Guerrand: l'Art Nouveau en Europe (Paris, 1965) M. de Reims: L'Art 1900 ou Le style de Jules Verne (Paris, 1965) R. Barilli: Liberty II (Milan, 1966); Eng. trans. l'Art Nouveau (Feltham, 1969) N. Pevsner: Les sources de l'architecture moderne et de design (Londres, 1968) F. Borsi et P. Portoghesi: Victor Horta (Rome, 1969) GC Argan: L'arte moderna, 1770-1970 (Florence, 1970) F. Borsi et H. Weiser: Bruxelles: Capitale de l'Art Nouveau (Bruxelles, 1971) Pionniers du XXe siècle: Guimard, Horta, Van de Velde (pièce n ° cat par Y. Brunhammer, M. Culot et R.-L. Delevoy, Paris, A. Mus Déc.. ., 1971) R. Bossaglia: Art Mobilier Le Nouveau (Paris, 1972) F. Borsi: Bruxelles 1900 (Bruxelles, 1974, rev 1979) Masini LV:. Art Nouveau: Un'avventura artistica (Florence, 1976) R. Kempton: l'Art Nouveau: une bibliographie annotée (Los Angeles, 1977) R. Billcliffe: Charles Rennie Mackintosh: The Complete Meubles, Meubles Dessins Dessins et de l'Intérieur F. Russell, ed (Guildford, 1979, rév Londres, 3 / 1986.):. Architecture Art Nouveau (Londres, 1979) F. Loyer: Le Siècle de l'industrie (Genève, 1983) J.-P. Bouillon: Journal de l'Art Nouveau (Genève, 1985) Vienne, 1880-1938: Naissance d'siècle des Nations Unies (pièce n ° cat, Paris, Pompidou,. 1986) KJ Sembach: L'Art Nouveau (Cologne, 1991) Guimard (pièce n ° cat, éd P. Thiebaut; Lyon, Mus A. Déc, Paris, Mus d'Orsay, 1992) ©….. Oxford University Press ARTICLE DEUXIÈME 2007, Grove Art Nouveau [de l'AOE] Art Nouveau, un style décoratif propagation à travers l'Europe au tournant du siècle, brièvement essentialiser l'avant-garde et dynamique dans les arts appliqués. Une rupture consciente avec les valeurs de tradition et création, elle a affirmé la communauté et de l'égalité de tous les arts visuels, rejet de l'historicisme classiques de l'orthodoxie académique pour des alternatives plus exotiques. L'art japonais de plus en plus populaire en Europe occidentale a été une influence importante, tout comme l'art celtique, formes architecture gothique, et organiques, abstraite et idéalisée. Contrairement à la plupart des grands mouvements de l'art contemporain, y compris le symbolisme étroitement liées, qui est originaire de France, Art Nouveau propagation de l'Angleterre. Son développement peut être retracée grâce à William Morris (1834-1896) et les fantasmes romantiques de Rossetti et les préraphaélites plus tard, les écrits lumineux de William Blake. Arts Morris and Crafts a établi les principes sur lesquels reposait le style, tandis que Aubrey Beardsley développé sa linéarité caractéristique sinueux. Ses dessins, de nombreux publiés dans des périodiques, y compris le Yellow Book (1894-5) et la Savoie (1896-8), a encouragé la propagation de son influence. Autres exposants notables inclus l'architecte Arthur Mackmurdo (1851-1942), et le peintre-illustrateur Walter Crane (1845-1915) et Charles Ricketts (1866-1931). D'une importance cruciale a été l'entrée de la Glasgow architecte et designer Charles Rennie Mackintosh, et les sœurs Macdonald, Margaret et Frances. Avec l'architecte Herbert MacNair (1868-1955), ils ont formé une renommée internationale groupe, «The Four», dont les expériences en design d'intérieur (par exemple, de Turin Scottish Exhibition Pavilion, 1902) ont été fondamentaux dans la promotion de formes d'art nouveau et des idées. Les tissus et les impressions produites par Liberty of London a popularisé le style. La première manifestation continentale de l'Art nouveau est apparu à Bruxelles, Victor Horta (1861-1947) et Henry van de Velde (1863-1957) est devenu son principal exposants, tandis que les peintres symbolistes James Ensor et Jan Toorop a ajouté un aspect distinctif expressionniste. Il a rapidement acquis ses propres caractère, encouragé par l'avant-garde présentant la société Les Vingt, qui a montré des arts appliqués et de livres illustrés avec des peintures à partir de 1884. Horta escalier innovantes en fonte pour la Tassel maison (1892-3) à Bruxelles l'origine de la «ligne belge, et a établi l'Art Nouveau utilisation de matériaux modernes. En France, l'impact de l'Art Nouveau a été limitée, Bien que René Lalique (1860-1945) et Émile Gallé (1846-1904) fait un travail très bien. Lalique exploré l'utilisation de l'asymétrie et la forme organique dans les bijoux et orfèvrerie, tandis que l'utilisation de l'allégement de Gallé gravé dans son verre a fait une contribution distinctive. Les dessins pour les stations de métro de Paris par Hector Guimard (1867-1942) sont un rappel de l' les attraits de l'architecture Art Nouveau. En Espagne, le mouvement centré à Barcelone, où l'architecte-designer Antoni Gaudí (1852-1926) des formes naturelles exploitées à l'extrême surréaliste dans la Casa Mila (1905-1910), et l'église de la Sagrada Familia (1883-1926). En Italie, le Anglese Stile, ou Stile Liberty, a réalisé une grande vogue, mais pas de caractère distinctif, reste très endettés à des exemples anglais et autrichien, bien que Giuseppe Sommaruga (1857-1932) a développé son Stile Floreale sous son influence. En Autriche et en Allemagne, Art Nouveau est devenu le catalyseur d'une libération artistique qui a produit quelques-uns des travaux les plus intéressants d'avant-garde de la période. En Allemagne, il est devenu connu sous le nom Jugendstil, de la progressive périodique Jugend (Jeunesse), bien que le style lui-même n'a produit aucun travail remarquable, de nombreux artistes qui plus tard a dirigé le mouvement expressionniste allemand a commencé sous son influence. Barlach, Kandinsky, et Kirchner ont tous travaillé dans le Jugendstil avant d'établir leurs idiomes personnels. Le mouvement a commencé à Munich avec une exposition de tapisserie par Hermann Obrist (1863-1927), dont le coup du lapin wallhanging (1895;. Munich, Historisches Stadtmus) caractérise la vision de style Art Nouveau. Il a développé deux aspects: le style floral de Otto Eckmann (1865-1902) et en août Endell (1871-1925), et une forme plus abstraite, à partir de Berlin vers 1900 sous l'influence de Henry van de Velde, et conçu par l'architecte Peter Behrens (1868-1940) et à Munich par Kandinsky. L'Autriche arrivé en retard à l'Art Nouveau, mais à partir de 1895 établi une version quasi-géométrique de sa sinuosité linéaire, influencé par Mackintosh, et par Voysey Mackmurdo de suiveur Charles (1857-1941). Les architectes Otto Wagner (1841-1918), Joseph Olbrich (1867-1908), Koloman Moser et (1868-1918) a fait la pierre de touche de leur rébellion contre l'establishment viennois conservatisme, avec Gustav Klimt, ils ont fondé l'échappée de Vienne Sécession, le style devient lui-même connu sous le nom Sezessionstil. Principalement propagée par l'avant-garde périodique Ver Sacrum, Sezessionstil représenté une nouvelle énergie dans l'art autrichien qui, par Klimt et Egon Schiele son protégé, acquis une reconnaissance internationale. Klimt et Wagner, élève de Josef Hoffmann (1870-1956) a ouvert la Wiener Werkstätte, dans la tradition des Arts et Métiers, qui a également promu l'Art Nouveau. Dans le Sullivan USA Louis (1856-1924) utilisé Art Nouveau formes dans les bandes de la décoration organique sur ses bâtiments, mais pas dans leur conception fondamentale, tandis que Louis Comfort Tiffany (1848-1933) mis au point une utilisation très originale de formes de fleurs dans ses desseins fenêtre et opalescente verrerie. Même dans les premières années du nouveau siècle l'artificialité fin de siècle de l'esthétique Art Nouveau a été critiquée et finalement miné par la robuste la vigueur de la modernité; aucun de ses diverses manifestations ont survécu à la Première Guerre mondiale, et sa réputation a diminué jusqu'en intérêt a été relancé par les surréalistes à Paris dans les années 1930. Après la guerre une série d'expositions, à partir de Zurich en 1952, et culminant au Museum of Modern Art, New York, en 1960, a intenté une réévaluation artistique et scientifique de ses formes, principes, et l'histoire, et le regain de popularité de ses fioritures décoratives continue dans le design contemporain. BIBLIOGRAPHIE Barilli, R., Art Nouveau (1969). Pevsner, N., Pionniers De conception moderne (1960). Justine Hopkins © Oxford University Press 2007 Comment citer Grove Art Online
How to Transform Yourself Like a Celebrity : Celebrity Transformation: Diet & Exercise Journal
